Arte famoso en colombia

El arte colombiano tiene 3.500 años de historia y abarca una amplia gama de medios y estilos que van desde la pintura devocional barroca española hasta la artesanía en oro quimbaya y el «americanismo lírico» del pintor Alejandro Obregón (1920-1992). Quizá el artista colombiano más aclamado internacionalmente sea el pintor y escultor Fernando Botero (1932)[1].

La cultura Piartal (750-1250 d.C.) en la región montañosa de la frontera entre Colombia y Ecuador produjo métodos únicos de producción de cerámica, así como patrones inspirados en la piel de animales o serpientes. Se crearon vasijas para su uso en el entierro secundario, o la práctica de dejar que la carne se descomponga y luego volver a enterrar los huesos. Estas vasijas también se utilizaban para guardar las reliquias y las joyas del difunto[5].

Los primeros ejemplos de artesanía en oro se atribuyen al pueblo Tumaco de la costa del Pacífico y datan de alrededor del año 325 a.C. El oro desempeñaría un papel fundamental a la hora de atraer a los españoles a la zona que ahora se llama Colombia durante el siglo XVI (véase: El Dorado).

Arte tradicional colombiano

La misma semana en que se celebraba la feria de arte en Bogotá el pasado mes de octubre, Doris Salcedo tenía una retrospectiva en el Guggenheim de Nueva York; Art Basel Miami presentaba a Miguel Ángel Rojas en una encuesta que destacaba la obra influyente de los artistas del siglo XX; el artista William Kentridge había elegido a Mateo López para el programa Rolex mentor-protégée y Juan Cortés aparecía en una programación pedagógica en el MoMA. No hay duda: la escena artística colombiana está en pleno auge internacional y no muestra signos de desaceleración. Pero, ¿hasta qué punto es sostenible todo esto?

En la última década, Colombia ha experimentado una de las transformaciones más impresionantes. Su inicio se remonta a 2002, cuando el Presidente Álvaro Uribe Vélez fue nombrado Comandante en Jefe. Desde entonces, la inversión internacional ha sido floreciente, y su efecto periférico puede rastrearse en una serie de actividades diferentes, como la participación del arte contemporáneo tanto a escala nacional como internacional, que había estado rondando lentamente en los años 80. La apertura de nuevas galerías, ferias de arte, premios, bienales, espacios culturales y el nacimiento de casas de subastas tanto en Bogotá como en otras grandes ciudades hablan por sí solos.

Arte indígena colombiano

En el siguiente texto, el artista y escritor Víctor Albarracín relata los cuatro años de vida de El Bodegón, un espacio artístico fundado en Bogotá en 2005 por un grupo de estudiantes y profesores de arte. El ensayo describe su intento de crear un lugar de encuentro vital que fomentara un espíritu de experimentación, riesgo y espontaneidad que contrastara con la floreciente escena artística de la ciudad. De manera interesada, las políticas utilizadas por las instituciones de Bogotá para ampliar la relevancia del arte contemporáneo en la capital colombiana sólo reforzaron las prácticas institucionalmente reconocidas, según Albarracín. La relación antagónica de El Bodegón con la infraestructura artística de la ciudad, agravada por los desacuerdos internos sobre cómo mantener su posición de relativa autonomía, llevó finalmente a la decisión de cerrar la organización en 2009.

Las reflexiones de Albarracín, aunque basadas en un contexto y unas aspiraciones diferentes, resuenan con el proyecto actual del Museum as Hub, After-after Tears, concebido por el Center for Historical Reenactments (CHR), con sede en Johannesburgo, tras su «suicidio institucional» en diciembre de 2012. En una contribución anterior a Six Degrees, Gabi Ngcobo, miembro del CHR, sitúa el «suicidio institucional» de la organización en relación con cuestiones sobre los modelos institucionales contemporáneos, así como con otros finales de la historia social y política de Sudáfrica. Las instituciones artísticas a menudo se esfuerzan por formalizar su estructura, de modo que sus contribuciones culturales puedan abarcar un período de tiempo prolongado. Los finales autodeterminados de El Bodegón y de la CRH desvelan la relación entre la longevidad y la eficacia institucional, invitando a una consideración más matizada de la vida de una institución, determinada por las condiciones específicas que dan forma a su formación, crecimiento y sostenibilidad.

La pintura colombiana

Este artículo analiza la escultura de la artista colombiana Feliza Bursztyn (1933-1982) a través de la lente de la teoría decolonial. Bursztyn ha entrado en el canon de la historia del arte colombiano como una artista moderna clave, pero poner el énfasis principalmente en sus innovaciones formales en la medida en que contribuyeron al desarrollo de un arte moderno y autónomo en Colombia es arriesgarse a minimizar las formas en que su obra desafió la hegemonía cultural y los discursos euroamericanos de la modernidad. Su arte puede interpretarse como un problema de la suposición de que el «desarrollo» es la respuesta al «subdesarrollo», de que la modernidad puede ser universalmente beneficiosa. En sus enfrentamientos con las estructuras de poder dominantes en Colombia que pretendían controlar las relaciones de clase y de género y la moralidad, la obra de Bursztyn expuso el lado oscuro de la modernidad, la colonialidad.

2Esta fotografía, entre otras, acompañaba el anuncio de los ganadores de los premios del Salón Intercol de Artistas Jóvenes, un concurso nacional patrocinado por Intercol (filial colombiana de la Standard Oil/Esso), celebrado en el Museo de Arte Moderno de Bogotá en colaboración con la Unión Panamericana, y un ejemplo de la utilización del arte en apoyo de la modernidad. Bursztyn ganó el primer premio de escultura en este concurso de alto nivel.2 Fue el primer premio que ganó, pero sólo uno entre muchos otros en una carrera distinguida pero controvertida que terminó abruptamente con su inesperada muerte a los 49 años.

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