Jackson pollock

La década de los noventa abarcó tanto las viejas como las nuevas formas de hacer ilustración. La pintura al óleo y acrílica, la acuarela, el gouache, el pastel y las técnicas de pluma y tinta seguían siendo los principales enfoques utilizados por la mayoría de los ilustradores, pero había muchos artistas deseosos de explorar el software de dibujo y pintura y aprender el uso de las herramientas digitales. El contraste entre el aspecto de los medios tradicionales y los digitales puede verse fácilmente en la obra de Kinuko Craft (acuarela y óleo) y Don Arday (digital). Las ilustraciones pictóricas de Brad Holland y Peter Fiore demostraron que las tradiciones clásicas continúan, mientras que las formas inventivas de utilizar el software resultaron atractivas para artistas como Mick Wiggins.

Todos los ilustradores tuvieron que tomar una decisión sobre la incorporación de las nuevas herramientas digitales a sus carreras. Los que amaban el trabajo táctil de los materiales artísticos tradicionales y odiaban los ordenadores evitaban por completo la cuestión. Muchos aprendieron lo suficiente sobre ordenadores como para escanear obras y crear archivos digitales para archivar y enviar por correo electrónico a los clientes, pero el infinito potencial y el desafío de las nuevas herramientas digitales fueron convincentes para otros.  Ilustradores pioneros empezaron a crear ilustraciones digitales que mostraban una gran variedad y logros, pero a costa de dedicar cientos de horas para dominar las nuevas herramientas. La ilustradora Nancy Stahl, por ejemplo, utilizaba una técnica tradicional de témpera para crear formas planas de color, pero descubrió que, una vez dominados, los programas de dibujo vectorial eran capaces de crear los mismos efectos con un control aún mayor.

Doug aitken

Historia del Arte 17 de octubre de 2016 Andrey V. Los últimos diez años del segundo milenio impactaron en numerosas formas de funcionar como sociedad, dejando una huella que sentimos aún hoy. Los cambios provocados por la revolución digital y la globalización hicieron que la Tierra se sintiera como un lugar más pequeño, mientras que varias opciones de vida que se consideraban tabúes se convirtieron en algo normal. En definitiva, estos cambios tan arraigados en nuestra mentalidad y en nuestras sociedades han configurado nuestra vida moderna a largo plazo. También tuvieron un enorme impacto en las escenas de todos los rincones del planeta, estableciendo nuevas normas y estándares a seguir. Este periodo revolucionario fue el más marcado por la mencionada globalización. Además, los temas sociales y políticos que abordó el arte de los 90 dieron lugar a algunas de las piezas más icónicas y asombrosas que ha visto el siglo XX, y poéticamente hablando, las últimas obras de arte que este siglo ofreció a la historia.

Para la mayoría de nosotros, la época de los 90 parece ser algo nostálgico que terminó hace poco. Esto puede ser un gran indicador de que todos estamos envejeciendo poco a poco, pero también ayuda a situar a los artistas de esa época bajo una cierta luz nueva: las primeras obras de los 90 se produjeron hace más de veinticinco años. No importa cómo se contextualice o se niegue la edad, se trata de un largo periodo de tiempo y mucho ha cambiado desde entonces. De hecho, nuestros museos y universidades, que pueden calificarse de guardianes del pasado, han empezado a tratar este periodo como historia antigua. Así pues, dejemos de lado las emociones sentimentales por el momento y sumerjámonos de lleno en el arte de los 90 desde una perspectiva que puede resultar dolorosa para algunos: un punto de vista que impone el rigor histórico a un periodo que todavía llamamos comúnmente reciente.

Tracey emin

Una visión general del arte realizado en Estados Unidos entre 1989 y 2001, desde la caída del Muro de Berlín hasta el 11-S, esta exposición presenta 64 obras de 46 artistas, entre las que se incluyen instalaciones, pinturas, esculturas, dibujos, grabados, fotografías, vídeo y arte digital. La exposición presenta a artistas que alcanzaron la mayoría de edad durante esta década y cuya obra refleja la naturaleza cada vez más diversa del mundo del arte de la época, cuando muchos artistas de color, mujeres y artistas LGBT alcanzaron una prominencia sin precedentes. El título de la exposición hace referencia a una canción de 1992 de Nirvana (la banda por excelencia de los 90, liderada por el icono por excelencia de los 90, Kurt Cobain), y habla de cuestiones de identidad complicadas por los efectos de la tecnología digital y una nueva cultura global.

Los años 90 fueron una década de enormes cambios sociales, políticos y económicos. Su acontecimiento definitorio fue sin duda la revolución digital, que alteró todo, desde la comunicación cotidiana hasta el comercio internacional y la geopolítica mundial. El naciente ciclo de noticias de 24 horas magnificó todas las cadenas de acontecimientos que sacudieron a Estados Unidos durante estos años, incluyendo la recesión económica de 1987 a mediados de los 90; el colapso de la Unión Soviética a partir de 1989; la Primera Guerra del Golfo (1990); la controversia de Clarence Thomas Anita Hill (1991) la paliza a Rodney King y los subsiguientes disturbios en Los Ángeles en 1991-92; la elección de Bill Clinton en 1992; el resurgimiento de la derecha política y el tratado del TLCAN en 1994; la burbuja de las puntocom de mediados y finales de los 90; la destitución y absolución presidencial en 1998-99; y los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001. Los artistas se enfrentaron a estos acontecimientos, abordándolos directamente y situándolos también en el contexto de los cambios propios del mundo del arte, como las «guerras culturales» en torno a la libertad artística, el impacto de las nuevas tecnologías en la creación artística y la expansión del mercado mundial del arte. Come as You Are sostiene que, en medio de estos dramáticos cambios sociales, y de hecho debido a ellos, la década de 1990 constituyó un punto de inflexión para la propia institución del arte.

Arte contemporáneo 90s

Fundado en 1936 como Museo de Arte Moderno de Boston -institución hermana del MoMA de Nueva York-, el museo fue concebido como un laboratorio en el que podían defenderse enfoques innovadores del arte. El museo se hizo famoso por identificar a nuevos artistas importantes y, en cumplimiento de esta misión, acabó separándose del MoMA y cambiando su nombre por el de Instituto de Arte Contemporáneo en 1948. A medida que la reputación del ICA crecía en todo el país, allanó el camino a otros institutos y museos de «arte contemporáneo», así como a espacios para artistas y lugares alternativos.

Durante 85 años, el ICA ha presentado arte contemporáneo en todos los medios -artes visuales, performance, cine, vídeo y literatura- y ha creado programas educativos que fomentan la apreciación de la cultura contemporánea. A finales de la década de 1990, varios programas innovadores reforzaron el papel público del ICA, como el programa de cine para adolescentes Fast Forward, y el ICA/Vita Brevis, cuyas instalaciones temporales en espacios públicos de Boston fueron aclamadas por la crítica y el público. En 2006, el ICA inauguró su nuevo y visionario edificio, diseñado por Diller Scofidio + Renfro, en el paseo marítimo de Boston. En sus nuevas instalaciones, el ICA ha ampliado el alcance y el tamaño de sus exposiciones y programas, multiplicando por diez su público y sirviendo de catalizador del arte contemporáneo en Boston.

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