Rococó

La historia del arte no consiste simplemente en enumerar todos los movimientos artísticos y situarlos en una línea de tiempo. Es el estudio de los objetos de arte considerados dentro de su época. Los historiadores del arte analizan el significado de las artes visuales (pintura, escultura, arquitectura) en el momento en que fueron creadas. Además, otra de las misiones de la historia del arte es establecer los orígenes autorales de las obras de arte, es decir, descubrir quién creó una determinada obra de arte, cuándo, cuándo y por qué razón.

La iconografía es una parte importante de la historia del arte. Consiste en analizar el simbolismo de las obras de arte. Por ejemplo, los historiadores del arte identifican los elementos visuales de un cuadro e interpretan su significado. Los historiadores del arte se interesan por lo que las obras de arte representaban en el momento en que fueron creadas. Es una forma de conocer las civilizaciones del pasado.

El arte visual narra historias de nuestro pasado, da cuenta de acontecimientos pasados. La historia del arte nos permite mirar hacia atrás y comprender cómo ha evolucionado nuestra civilización a lo largo de los siglos. Es una forma de conocernos mejor a nosotros mismos. ¿Por qué tenemos ciertos valores? ¿Qué es lo que ha configurado nuestra forma de pensar y nuestra visión del mundo?

Escultura

El zeitgeist cultural y artístico de la ciudad de Nueva York durante la década de 1980 no tiene parangón en el imaginario contemporáneo. Para un selecto grupo de artistas que vivían y trabajaban en Nueva York durante esa tumultuosa década -entre ellos Richard Prince, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Willem de Kooning y Jeff Koons- las calles de la ciudad resultaron ser un hervidero de creatividad y su obra floreció en medio de su vibrante paisaje.

La década de los 80 fue testigo del espectacular crecimiento del mercado del arte, mientras los terrores silenciosos se apoderaban de la ciudad, desde la epidemia de crack y la delincuencia generalizada hasta el espectro del virus del sida y las tensiones de la Guerra Fría que se avecinaban. Una selección de obras de esta importante década encarna las divergentes tendencias que surgieron durante esta época. En conjunto, representan la intersección del arte y la cultura que dio lugar a uno de los momentos más significativos de la historia del arte moderno.

En 1981, la exposición New York/New Wave en el P.S.1 impulsó a un joven pintor a la fama como el hijo predilecto del neoexpresionismo. Este talento natural -Jean-Michel Basquiat- simbolizó la intensidad emocional y cruda de este nuevo y valiente estilo.

Realismo

La historia del arte suele contarse como una cronología de las obras maestras creadas durante cada civilización. Así, puede enmarcarse como una historia de la alta cultura, personificada por las Maravillas del Mundo. Por otro lado, las expresiones artísticas vernáculas también pueden integrarse en los relatos de la historia del arte, denominadas artes populares o artesanales. Cuanto más se relacione un historiador del arte con estas últimas formas de baja cultura, más probable será que identifique su trabajo como un examen de la cultura visual o de la cultura material, o como una contribución a campos relacionados con la historia del arte, como la antropología o la arqueología. En estos últimos casos, los objetos de arte pueden denominarse artefactos arqueológicos.

El arte prehistórico incluye una amplia gama de arte realizado por culturas analfabetas, incluidos algunos de los primeros artefactos humanos. Las obras de arte prehistórico más conocidas son las grandes pinturas rupestres paleolíticas que representan animales en la Europa continental, especialmente las de Lascaux, en la región francesa de Dordoña. Se conocen varios centenares de cuevas decoradas que abarcan el Paleolítico Superior (c. 38.000-12.000 a.C.). Hay ejemplos en Ucrania, Italia y Gran Bretaña, pero la mayoría están en Francia y España. Se han sugerido muchas teorías sobre la finalidad del arte, la más aceptada es que formaba parte de rituales religiosos, posiblemente para evocar el éxito de la caza.

Barbara kruger

En la década de 1960, la idea del «arte como inversión» se impuso y prosperó hasta convertirse en el mercado del arte actual, de 64.000 millones de dólares. En 1969, la casa de subastas Sotheby’s puso en marcha lo que hoy es el Instituto de Arte Sotheby’s, en respuesta a la necesidad de formación sobre el negocio del arte. A lo largo de los siguientes cincuenta años, el programa evolucionó junto a las crecientes necesidades del sector, convirtiéndose en una escuela con un distinguido profesorado, campus en Londres, Nueva York y Los Ángeles, y una sólida oferta de programas de postgrado y cursos más cortos sin titulación. Ahora, con la ayuda de nuestro experto profesorado, echamos la vista atrás a los principales acontecimientos de las últimas cinco décadas para entender mejor el presente multimillonario del mercado del arte y compartir las proyecciones para su futuro.

En 1987, la película Wall Street presenta a artistas como Francesco Clemente y ofrece la destilación perfecta del consumismo internacional y el posmodernismo de los 80. El exceso y el mercado alcista asociados a la mayor parte de la década se extendieron a todos los rincones de la industria del arte, con cifras de venta que superaron las expectativas. Los coleccionistas japoneses fijan precios récord para el arte impresionista, mientras que Sotheby’s establece una nueva referencia de Van Gogh con una venta de 53,9 millones de dólares y acude a Moscú para lanzar una venta de arte ruso de vanguardia y contemporáneo. «Este es un momento en el que las casas de subastas empiezan a establecer asociaciones globales para ampliar su huella de venta», dice Ann-Marie Richard, directora del programa de máster en Bellas Artes y Diseño Decorativo del Instituto de Nueva York.

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